编曲漫谈[文/ poorman ]

济海云帆

作者：poorman
出处：音频应用 2

编曲漫谈

大家好：
很高兴能在这里写一些东西和大家分享。
提起音乐制作，几年前可能还是我们可望不可及的事。可是在今天，每个人都可以制作自己的音乐。我们很幸运。只要有一台电脑、一对音箱或一个耳机、一块差不多的声卡我们就可以开始创造音乐了。
就是这么简单。只要你会用鼠标，只要你耳朵可以分辨什么是好的音乐。
那么接下来的问题就是：如何为做一首歌做一个听上去还不错的编曲呢？这个问题可能每个人都在问。
说实话，也许没有人能把这个问题说清楚。今天我就在这里胡砍一些，也许某一句能给你一些启发就足够了，呵呵。

做准备
很多人也许在打开电脑后不知如何下手。到底怎么开始呢？
首先要搞清楚自己是为什么来做这个编曲。如果是某个人邀请你来做编曲，那就首先搞清楚这个人需要什么。把自己的想法和对方的意思保持一致。这样才能使别人接受你的音乐；如果是为自己的歌曲编曲或做一段属于自己的音乐，那就简单多了。毕竟自己的想法自己还算清楚。
好了。现在随便打开你的音乐软件玩玩。如果脑子很晕那就曾早关上电脑去睡觉或找朋友喝点。如果状态还算不错。那就基本做好思想准备了。（每次打开电脑都晕那就需要看医生了。）

找感觉
当脑子里有一些冲动的时候那就开始找找感觉吧。前提是你明确了需要编曲的歌是什么风格，需要什么感觉的音色。针对自己有哪些优势可以利用。
我们可以打开一个新的工程文件。加载一些自己感觉靠谱的音色和乐器。随便玩玩。当然先玩哪类乐器是要看自己的喜好和专长了。如果你是一个键盘高手。也许会选择先搞和声乐器。对于我来说我觉得先来搞Groove比较适合。就是先搞一些节奏或鼓的LOOP。这样会让自己保持兴奋的状态。总之，先尝试自己感兴趣的音色吧，这样不至于很快就疲惫。

搭架子
这个环节本人觉得最为重要。因为架构搞的顺畅的话，那接下来的工作就会一路顺风。如果架子搭的很困难。那就会让我很快失去信心。那也只能换个思路，从新开始了。
如果是我，先把歌的demo听上几遍，掌握了他的精髓以后就抛在脑后不要再听。然后在我们打开的文件里开始为所欲为。我首先会把适合速度的鼓loop做一两个。然后在加Bass或者是有些节奏的loop。然后站起来觉得可以翩翩起舞的时候架子基本就OK一大半了。

埋头干
接下来就是想想曲式结构，安排好和声，准备一些也许会用到的音色。把DEMO导过来，将刚才的素材对号入座。当然我们提前做的素材不会完全合适，那就需要我们来付出大量的时间去把不合适的地方搞定。（这个过程是个相对复杂的过程，很多地方可以仔细聊。以后有机会再细说）

相信它
相信你用的音色或音序器。他们并不需要你太多精力去修饰。把更多的精力放在选择更合适的音色上吧。（如果你确定有把握可以使音色变的更合适的话。动手去改变它，那是很高的境界了）

搞破坏
经过不停的修改，不停的思考。也许几天已经过去了。现在听一下我们做的音乐也许已经很象样了。
在这个时候我总会想，我们做的东西是不是太顺了？太规整了？没有毛病也没有特色。（听听国内的大部分流行音乐都是这个样子）
于是，我会立即开始搞“破坏”。加一些奇怪的音色？加一些奇怪的和声？变一下循环次数太多的Loop……甚至把原本的架子换掉。重新开始？
哇哈哈。也许在这个过程中你会得到很多意想不到的效果。

不强求
很多人都有一个苦恼：一些乐器总是做的不像真的。比如吉他、吹奏等真实的乐器。怎么解决呢？最好的捷径就是找真人演奏。因为某些乐器用音源是很难作好的。而且一些需要真人演奏感觉的东西一定要真人来做的。不管怎样模拟的或是采样的想达到真人演奏的效果是不可能的。（有一些地方确实需要这种模拟真乐器音色除外）
例如一套真鼓音色。用BFD等做会做的非常出色。但是比起鼓手录制的还是有区别，毕竟一个死一个活，呵呵。
不能把大部分精力放在做音色上，这个不能强求。不然钻了牛角尖子，自找痛苦啊。（音色玩家除外）

多磨合
好了，现在听听我们的作品吧，很有成就感啊。大功告成？还有很多工作要做啊！
当听着没什么毛病的时候就不要再听了。干点别的，听点别人的歌看会电视剧，干脆出去玩明天再干。隔一段时间后再拿出来听也许会有新的发现啊。这样反复几次更好啊。
如果不着急，隔十天半个月再来继续做，效果更佳。

这个环节过去了，我们的作品基本有些说服力了吧。拿给朋友听听，或许会有一些有用的建议。

做收尾

收尾工作不要轻视阿。整理每一轨不要有瑕疵留下，不该留的效果器关掉啊，做好导出注意电平。最后写一个备忘录，留下这个歌的调性，速度，编曲者对录音混音的建议等等。这样会使下几个环节的人认为你很专业阿，自己也省心。做好备份，上床休息。

济海云帆

题目：编曲漫谈（2）
一些常见编曲问题的讨论

说实话，编曲相关的体会是很难用笔纸写清楚的。每个人都会有自己不同的看法和不同的感受。编曲是在音乐制作流程中非常重要的一个环节。他决定了整个音乐的风格及给不同听众的不同感受。他既是组建音乐骨肉的环节也是体现音乐灵魂的重要环节。
上次就编曲的过程谈了一些小观点。其实只是一个简单的流程介绍。说了一些皮毛。如果大家注意一些细节问题并且有些独特的创新方法，那我们做出来的音乐就会很入道并稍有自我特色。这样我们就可以编出完美的音乐了吗？当然不是这么简单阿。首先我们需要扎实的基本功底做基础（音乐理论知识，乐器演奏技法等等）比这些重要的是有丰富的编曲经验、相关音乐素养；如果你曾是一个乐队的成员或参加过很多演出或录音棚的工作等等，那会给你的音乐制作奠定意想不到的基础。还有不可缺少的就是对音乐的个性认识、对音乐的激情、对音乐的美好向往。。。
上次说到编曲过程是一个复杂的过程，那今天就说一些这方面的事。每个人的制作方式都不同，就从一些普遍问题来说吧：
1 低音与节奏问题：
  低音与节奏是我在编曲首要考虑的。因为这个是音乐的骨架。很多音乐爱好者的作品中很容易发现的一个问题就是低音与节奏部分不搭调，或整个骨架和其他部分的韵律不协调。这样的作品听上去就会有节奏混乱、磕磕碰碰的感觉。原因所在就是没有注意到低音乐器与节奏部分的搭配。一般情况人们喜欢先作低音与节奏部分，这样可以使后添加的其他乐器在韵律上保持一致或有相关联系。如果反之就很不容易使整体保持一致。这样就会出现韵律混乱没有大架子的感觉。
  当然了。不是说必须先把低音和节奏定死再作其他。只要有一个自己喜欢的韵律出来就可以了，最后很有可能翻过头来修改低音和节奏部分，但是再次修改这部分时要注意其他乐器与之的关系哦。可能要一并修改。
2 复制问题
  现在做编曲似乎非常容易上手。因为大部分工作用电脑就可以完成。电脑给我们的工作带来无比的方便，但随之而来的还有很多以前没有的问题。其中一个比较重要的问题就是滥用复制功能。
  不管是节奏，各种乐器，只要和声进行差不多就完全复制过去。。。。。。这样的结果就是导致听起来很死板、机械化、没有动感。复制功能利用不当适得其反。
  我们一定要以音乐本身为目的，如果需要变化，一定不要懒惰，把复制过来的东西做以变化，直至适合这个地方的需要。还要说明一点，并不是所有的复制都要有变化。如果一味追求变化也会造成结构混乱等问题。所以说，我们做的一切工作都要一音乐本身为目的，电脑和其功能只是为音乐服务的工具。
3 和声问题
  编曲的手法和套路有很多种，几乎每个人的套路都不尽相同。我觉得这个是由编曲者的专长和制作风格而定。键盘编曲者一般会先搞和声进行。
  和声进行在音乐里是一个重要环节。所谓和声进行就是把单个的和声连接在一起。就是一系列和弦演奏的过程。我们要研究的就是这些和弦在进行过程中的相互关系。一些初学者和一些“和声痴迷者”都会不经意的范一个很严重的毛病。那就是只注重了和弦本身的表达而忽略或者是根本没有研究和声进行的意义。听他们的作品单门一个和声很独特，或是7、9和弦。或是各种转位等等。但是听整个段落，或者听整首音乐就会发现这个和弦并不适合放在这里。我们要从整体作品入手来安排和声进行的构架。这样才能使整体的和声环境统一，好听。
  要杜绝那种对和声小有研究就滥用复杂和弦的事。这样只能让人觉得作者比较幼稚而不会有人称赞某个和声多么各色。这也是一个很常见的问题。
4 音域问题
  编曲这个工作需要研究的东西很多。对乐器及音色的研究就是必不可少的功课。这也是很重要的科目。
真实的乐器都会有自己的音域，根据他发声原理不同而音域不同。如果我们使用音源来模仿真实乐器，那这个问题就需要注意。如果我们要写一些管弦乐队演奏的部分这个问题就更加需要注意。合适的音域才能是乐器表现他可以表现得音色。如果我们拿总谱去管弦乐团录音时。却被乐手指责说某某音根本不存在，那这样的尴尬可就不好玩了。
如果我们要写一些真实乐器演奏的部分。那就先仔细研究这些乐器演奏法的知识吧
5 真实乐器的演奏方法问题
  接着上面说，听一些初学者的作品，往往会发现一些很别扭的音色，仔细听一下，很有可能就是一些真实的乐器没有注意到他的演奏法导致的。比如说弦乐的各种弓法，还有各种表情符号、强弱关系、演奏方法的细节。如果真想玩好真实乐器编配，那就先研究一些相关知识吧。
6 曲式结构和段落衔接问题
  曲式是另外一门需要我们研究的学问。现在流行的音乐可能没有很复杂的曲式。但是合理安排每个段落及各种前奏间奏等等的关系也是相当重要的。合理的曲式结构可以使听者非常舒适的欣赏你的作品。心情随之起伏。
段落衔接也是很重要的。尤其是用电脑编曲的人很容易忽略这个环节。用简单的复制而导致段落之间衔接生硬。解决这个问题的方法很多，要看作品本身而定。但宗旨就是我们是在做一首整体的音乐和不是一些音乐片断的组合。
7 乐器组织问题
  这个问题是涉及配器法的问题。要想使音乐好听，这个问题也需要我们来研究。一些乐器或音色组织到一起将产生什么样的声响和色彩，我们要长期实践来摸索。
一个常见的问题就是，作者总是觉得自己做的东西不够圆满，从而不停的往里加音色。结果适得其反，越加越乱，没有整体。我们要保持头脑清醒，研究每个音色相互的纵向关系。发挥音色的内在交叉力量。往往大师作品并不是想象的那样复杂。他们只是充分发挥了音色的功效。
8 频响范围问题
频响这个词在录音师和混音师嘴里经常听到。他们会注意每个音色的频响范围。作为编曲者，这个问题也要注意。我们要基本知道每个音色在某个音域的大概频响范围。或者说我们在音乐里需要什么样的频响来满足整体音乐的需要。
一些作者的作品中虽然音色用了不老少，但是听起来还是很单薄，不能使听者很舒服，原因就是在此。他没有注意到使用音色的频响范围，也没有设计好所做音乐的频响布局。只有我们前期的编曲素材注意到了这一点，后期的混缩过程才能更好的来完成频响布局工作。如果我们的编曲就缺失很多频响内容，那混音师会很头痛。
9 电脑编曲的生硬问题
  很多人都会认为用电脑编曲的作品会很生硬，这个“生硬”的概念很宽泛。造成生硬的问题也有很多。以上说过的一些问题也出于此处。解决这个问题也需要多方面的努力。但是我们要有一个宗旨就是电脑只是编曲的一个工具而已。一些他可以胜任的我们就采取。他做不完美的也不要强求，需找其他办法来解决。不要强求某个合成器可以完成所有的工作，不要强求某个软件可以始终表现最好。我们要以音乐本身入手。这样就会使这个问题迎刃而解。
10自我角色问题
      在编曲过程中我们要变换不同的角色来完成我们的工作。在编曲过程中我们是个乐器演奏者、指挥者。在完成编曲时我们更要成为一个听众。保持客观的心态来鉴定我们的作品。这样才有利于更好完成它。甚至我们还要作为一个批评者来审视它。

    以上是一些比较共同的编曲问题的讨论，一开始就说了，编曲是一个没有定论的事。不可能有一个完美的教程。还需要我们自己去做自己的套路，这样才能做出属于自己的音乐。以上言论都是一些简单的叙述，篇幅原因以后可以针对细谈。只是一些个人看法仅供参考。（本节完）

济海云帆

编曲漫谈3
--论音乐配器结构

大家好，我会在这里就一些共性问题上和大家做一些讨论。每个人做的音乐都不同。各门各派的风格我也不想多评价。每个人都有自己的偏好。只能在共性上说一些大家都会遇到的问题来讨论。这些言论也会带有个人的偏好。所以，只要能给大家一个参考作用就好。
今天说一下音乐的配器结构相关问题。不管什么风格的音乐，都会有自己的结构。都会有组成音乐的各种乐器或音色以及人声。
很传统的教程中有一科叫“配器法”大多讲的是交响乐里乐器编配法则。如果有机会我们可以研究一下这些教程。交响乐队的配器法比较深奥而且比较死板。毕竟当时的音乐都很传统而严肃。我们可以多看其中关于乐器音域、乐器演奏技法、乐器配合方法等章节。对于80年代出品的那些电声乐队配器方法也没什么好学的。作为初学者可以看看其中关于电声乐器的介绍。
现在很少有人来写关于现代音乐配器的教程，因为很难写的清楚。现在的音乐可谓是五花八门、个性十足。已经不是当初可以数清楚乐器数目、听清楚乐器音色的年代了。
作为声音的组成，比较大众的说法就是：音色、音高、音量、音值（概念名称在不同领域有不同的叫法，但是说明的问题是一致的）每个声音都有这四个要素。
音色说的是声音的特色，也就是说某个物件发出的声音和其他物件发声都有区别。很容易理解，吉他的音色和钢琴有所不同、敲木头的音色和敲铁块的有所不同；音高说的是人们对声音调子高低的感受。物理上讲音调取决于声波振动的基频（指基础的频率，相对于泛音而言）的高低。振动的频率高音高就高，反之则低。吉他的1弦和6弦空拨的音高就不一样，每个乐器都可以演奏若干不同的音高。从他最低音到最高音就是他的音域；音量这个很好理解，就是声音能量和强弱关系。主要取决于声波的振幅大小。在钢琴上同一个键用小力度和大力度敲击，发出声音的音高是不会变的但响度会有变化；最后还有音值说的是声音持续的时间。这个不用举例也很明白。
哈哈，不愿意多讲理论。不过了解了声音的要素就会明白，我们听到的每一个单纯的声音确实就是这样组成的。那我们的编曲工作也就是把很多不同的声音组合到一起。这样就可以成为音乐。
我们听到的大部分音乐都有一些共有的声音特性。比如大多都会有低音乐器、高音乐器及中音区乐器；和声乐器、旋律乐器、节奏乐器（或音色）等。用不同的方法安排这些乐器音色出现就是配器的方法。所谓方法就是把这些独立的声音结合到一起，使他们互相作用，互相结合。
我们常听到的音乐中都会有节奏、低音、和声、旋律等组成，如果我们是为一个旋律来编曲，我们要首先注意这个旋律的特色和需要。这样我们可以组建一个基础的节奏型，我们可以尝试用这个节奏来唱一下旋律。很容易感受到旋律与节奏的关系。这是基础。但是也要考虑节奏的特色。用一些独特的节奏型来提旋律的味道。有没有想过换一些节奏乐器的音色呢？同样的节奏型也会有不同的感觉。
接下来就是把低音加进来。低音中最主要的是BASS。当然BASS的音色也有很多种。低音的主要作用有两个：一是奠定和声基础，二是与节奏部分共同奠定韵律基础。这些都很重要，我们要注意它和节奏部分的相互作用关系，从而完善重音关系和韵律。最简单的方法就是把节奏的重音部分加BASS的重音。这样出来的动静会很整也很舒服。我们可以在需要的时候将BASS的重音与节奏的重音错位，会有特殊的效果出来。当然还要注意它与其他音色部分的关系。同时他的音高也是奠定和声基础的重要因素。因为低音给人的试听感觉就是基础和环境的概念。我们要安排我们的和声是什么根音或是否转位，相同的和声采用不同转位的低音，效果是完全不同的。（可以参考相关和声教材）
下面说一下和声。这也是音乐组成的一个要素。补充一点，这些要素在不同风格的音乐当中或者说在不同的音乐人手中都有不同的地位和重要性。像JAZZ及相关风格就很注重和声部分。反之像HIP-HOP及相关风格就比较重视节奏等等。。我不太想把音乐分门别类。可以说要看音乐人自己的把握，到底那些因素的组合更适合自己音乐的表现。转回来说和声，如果说节奏是音乐的骨架、低音是音乐的根基，那么和声可以比作音乐的血肉。我们说的和声不能仅仅指那些弦乐、pad等。一些分解的和声线条或一些节奏式的和声音色也都算作和声部分。只要有音高的声音都会参与和声部分。不管我们音乐中的和声进行简单还是复杂，目的都是为音乐创造一个和声环境，我们可以尝试为相同的旋律搭配不同的和声进行来体会和声在音乐当中的作用。同样，可以注意一下声音的四个要素。用不同力度、不同音色、不同音高、不同音值得和声加到音乐当中来体会音乐的变化。我们完全可以尝试用不同音色不同方式来叠加出一个和声环境。但是要注意和声进行要统一，除非特殊的需要，否则会搞乱已经设计好的和声环境。
旋律的概念也应该宽泛一些，包括主旋律，这个可以是演唱或主奏乐器。还有SOLO部分、音乐进行中出现的副旋或点缀性、配合性的旋律。我们音乐的一些动机就有可能来自于旋律。我们可以抛开和声和主旋律。在建好的节奏架子上先搞一些旋律线条。这也许会给我们带来一些新的想法。我们还要注意的是这部分内容要和音乐整体有相关的作用关系。我们要把所有的音色都融在一个架子上，互相有引力，产生内在力量。一些朋友在做完基本架构时总会觉得少些什么，然后就加很多的花哨去丰富而不去想他们之间的关系。这样就会是听者觉得音乐内部很乱。没有整体的韵律。我们要在和声、节奏、韵律、松紧关系等各个方面去思考音乐中各个音色的关系和他起的作用是否合适。每一个声音都要有必要才加上去的。不要让别人感到多余。
我们今天聊了声音本身的要素。音乐组成的要素。建议我们再去看一些相关配器、和声的教材（但千万不要以书为纲）还有就是都听一些大师的作品（不限风格）然后再由音乐本身出发，来构建属于我们自己的音乐。（本节完）

济海云帆

编曲漫谈4
--论音乐的画面与情节

   音乐是通过声音传达的艺术，我们可以从声音中体会音乐对人的感受。我们在听音乐的时候同时会产生想象。大脑会根据音乐的信息联想，或是一幅画面，或是一个故事情节。
   尤其是电影音乐、Ambient风格等没有词的音乐，他们更注重描绘音乐的画面感和情节感。每个听者自己脑子里的呈现出来的画面或故事都不同。但是每段音乐都会有一个色彩。这可能就是音乐四大要素外的又一大要素。
   我们今天分析这个不是为了让大家成为画家或导演，但是了解了这个音乐要素后可能会对自己的音乐创作有很大的帮助。
   每一个音色，每一个节奏都会有自己的色彩。用同样的音色演奏不同的内容或节奏体现出来的色彩也不尽相同。我们可以做一个试验。用同一组弦乐音色，同样的力度演奏4拍场音，然后再演奏4拍16分音符。对比一下表现得色彩完全不同。然后再用不同的力度演奏同样的4拍16分音符，听一下色彩又是不同。同理同样的弦乐谱子用不同的乐手演奏色彩也不会完全一样。这样看来，音乐的色彩因素是一个综合的因素。越是综合的因素我们越要体会他微妙的变化。这样会使我们的音乐表现更准确的信息。
   另外，两种音色分别演奏和两种音色同时演奏表现的色彩又是完全不同。改变他们各自音高、节奏等演奏方式那又会使色彩又变化。可想而知，我们创作音乐的过程就是用不同表现的声音为元素构成一个综合色彩，可以表现一个画面甚至一个故事。这个很像一幅油画，画家用不同的颜色、不同的方法将颜料组合在一起来表现最终的画面给大家看。也许你看了这幅画之后会也会在脑海里呈现一段旋律，这就是艺术的相通性吧。
如果想掌握好音乐色彩，我们首先要了解单独音色的色彩属性。还要了解不同声音素材组合在一起的色彩属性。同时我们在挑选声音素材的时候要对最终画面有一个印象，或者说对故事情节有一个简单的剧本，尽管这个故事也许会有意想不到的变化。这三个方面都是需要我们掌握的。如果我们在创作中确实考虑到了这一点，你会发现我们的作品会充满灵性，充满想象。而不是简单的无关联的色彩堆积。把所有颜色胡乱的混合在一起呈现出来的就是简单的黑色而已。颜料是一样的，要看画者怎么去组合。怎么去表现。
这个话题没有那么多明确的理论，因为每个人对同一个音色同一段音乐都有不同的感受，在脑海里都会有不同的故事。那只能举一些例子来说明。想一下我们用1把小提琴来演奏一个非常舒缓的旋律。在前八个小节只有这些。我们会想到什么？一缕清风还有一只天鹅？然后再来8把小提跟上来两个高声部的齐奏八小节，这个画面在变化。可能想到的是一缕清风慢慢拂面而来，变成是一片凉风。或者几只天鹅成队从画面外飞进来。。。。。。接下来，我们让中提和大提也用舒缓的长线条旋律用中低声部齐奏。相信你脑子里的画面又会随之变化。也许是清风拂面之后的一片树林或者是天鹅脚下穿越的高山。。。。。。让中声部保持长的线条，高声部和低声部变成快速的震音组成的旋律，甚至还有一些节奏跟着进来。或是做一些复调的进行。这时我们的故事也许才真正开始。。。。。。哈哈，每个人的故事都会很吸引人。因为我们的音乐来自我们的生活，我们生活中感情的精华才会变成音乐流露出来。凡是用真诚来创造音乐的人相信不难体会这一点。
我们现在利用丰富的音乐素材，丰富的编曲软件来创作。自己的角色更像是一个导演来创作一个故事。大牌明星、世界顶级的摄像师都藏在我们的硬盘里。而且这些人愿意为所有人服务。甚至他不会对任何人耍大牌。关键就是看哪个导演可以充分利用和组合他们。让他们发挥的最好。使这个故事区别于其它而且更加吸引观众。
呵呵，好像聊得越来越抽象。音乐就是这样。编曲这个工作到后来也是多凭感觉多凭认真的事。理论和经验只是基础。今天就说到这里。谢谢（本节完）

济海云帆

编曲漫谈5
中级篇之Groove

上次写了一些给新手看的心得，不是理论知识，而是一些理念和经验。这次还是随便写一些非正统理论的心得；因为在我看来，理论是死的，人是活的。给人听的音乐也是活的，如果太强调理论和技术，就变成死的音乐，也就不是音乐了。但是，不能说没有任何理论知识就能做出好的音乐，那也是很扯淡的事情，虽然有很多人都这么干。不管干什么也会有理论基础的，所谓理论也是前人在实践中总结的经验，但是时间和空间的转移，不一定全部适用罢了。它们能指导我们怎么才能把砖头垒成房子，但是不能告诉我们怎么设计出属于自己的房子。又扯远了，开始说正题吧。

这次说一下“Groove”，在英语里面一个解释是“最佳状态”如： This song can get you into the groove（这首歌可以把你带到最佳状态，） 我们都管他叫“律动”。这个词在音乐圈和舞蹈圈都有，并且息息相关。跳舞的朋友应该更熟悉，动作要有Groove。

到底啥是“Groove”？
这个词大多数人叫律动，但是解释不是很统一。
比较复杂的解释是说Groove是由音乐的速度、节奏型、强弱关系、感觉等构成的。
还有的说Groove是一种音乐特性或风格。具备这个特性的歌曲就是Groove风格的歌曲。
还有人说Groove是把节奏中的某些拍子不放到正拍上（这个应该说的是Swing，哈哈）
等等吧。
但是到底啥是Groove？
我觉得以上说的都有一些道理和依据，但是也不是Groove的全部意义。他确实和节奏型、速度、强弱关系有关，其实也和乐器编配、旋律、音色、和声有关。同时，他也确实和演奏者、演唱者有关。
应该说Groove不能从语言理论上做出明确的解释，他是一个感觉上的、精神上的定义。
可以这么讲，听一段音乐，让你很爽、很High、想跳舞、想将身体某些部位上下或左右摆动、想哭、想笑、想杀人、想跳楼、起鸡皮疙瘩、昏厥等，都可以说：“这段音乐Groove很牛X！”

Groove对音乐的意义
旁白：说了半天，Groove到底有啥意义呢？老师给我讲过和声、节奏，可没讲过什么Groove啊。。。
先解释一个误区：“有人认为Groove就是让人能跟着音乐跳舞、扭动的感觉，在Dance、Hip-Hop一些跳舞的音乐里才会有Groove”
在我看来，这个说法太片面了。不一定只有快歌需要Groove，所有的音乐都需要Groove。大家还记得《黑色星期天》吧。慢歌，但是很有Groove，很让人感动，不然不会有很多人听完自杀。
还有，不是说只有现在的音乐才开始强调律动，其实，有音乐出现就有Groove了。只不过我们从国外得知了这个词语代表这个意思。例如，大秧歌的节奏很熟悉吧：“锵锵砌墙其，锵锵锵，砌墙其！”多么简单明了而又很有Groove啊！
说到这里，可能大家会明白了，Groove是位于和声、节奏、旋律、音色等之上的一个概念，并和和声、节奏、旋律、音色等密不可分的。它对音乐有非常重要的意义。我们做出来的歌曲是否有人喜欢，是否感动人，Groove是重要因素。
从它的意义的角度再来看他的含义也许就更明确了，我们在作曲、编曲过程中，给听众传达的精神层面的东西，就是Groove。
还有，音乐本来就没有好坏，喜欢就是好的，不喜欢就是屎的。Groove也一样，一首歌不同的人听完感觉也不一样。
哈哈，晕了吗？所以这个章节放在中级篇里面，如果看到这里还晕的，请返回头看看我写编曲漫谈1-4集，那是初级篇。

如何做好Groove？
旁白：嗨，破门。你把Groove说的这么悬，还提什么怎么做好Groove，开始吹牛B了吧？
是啊，开始吹点牛B吧。
既然说Groove是精神层面的，那就不会有明确的理论来指导。下面只说一些基本的、常见的可以帮助大家认识Groove的环节，来试图提高大家对Groove的认识。
“那个Bass手演奏的很Groovy!”或，“看舞池那个美女，她让我钻进他的Groove里了！”

我们从几个方面和Groove的关系，来说明一些如何把Groove做的更好。

一、与节奏相关的环节：
从最简单的说起，一个简单的节奏， “洞刺大刺，洞刺大刺”我们把速度定在108BPM和120BPM,分别听一下。感受一下他们的区别。
然后，我们把节奏型稍微变化一些，“洞刺刺大刺，洞刺刺大刺”（踩镲变成十六分音符），再对比一下改变前后的区别。或者再在每小节最后8分音符加一个底鼓？
然后，我们再更换两个不同的鼓音色，例如一个真鼓音色和一个电鼓，再对比一下改变前后的区别吧。
如果细致一些的编曲人，都会注意到节奏中每个音的强弱和演奏技法。这一点也很重要。例如在每个小节中，四遍一样的节奏型，最后一遍的军鼓会给些力度，好的演奏者也会注意到这些的，例如，一些鼓手会在自己喜欢的地方，军鼓加鼓边的声音。而且，这些变化也许是不经意的，是跟着感觉走的，所以往往人演奏的比机器做出来的更有律动，也就是更Groove。
总结一下，上面提到了和节奏相关的速度、节奏型、音色、力度、演奏技法。这些都是影响Groove的环节。在我们做音乐的过程中，更要多注意这些细节的变现。也许轻微的一点点变化，就会让我们的音乐更有Groove。
还要注意的一点，不是有鼓才算有节奏哦。旋律、和声都有节奏，不然他们没法演奏。回忆一下以前提到的音的要素，有一个就是时长，时长的组合就是节奏。所以，在做一个单独吉他演奏的时候，你也要注意他节奏环节的Groove表现。

二、与旋律相关的环节
这里先说一句，这里提到的各个环节都是互相关联的，我们在说旋律的环节必定会和上面说的节奏环节相关联。
以前我们说过，低音是节奏的关系最大，他们的结合给音乐奠定了Groove的基础。所以先说说低音的旋律。有一个大家都知道的基本原则：在有底鼓的地方加上Bass。也就是说Bass的节奏型和底鼓的保持一致。这样听起来节奏就变得有力度，有律动。这个说法是对的，在很多音乐中也有这样的运用。但是别忘了任何教条都不是指导你做音乐的原由。不是把所有的Bass节奏都和底鼓保持一致就算最好。我们把Bass放到一些和军鼓重叠的地方，或者不和任何节奏重叠的地方，他们的律动就不同，产生的Groove就不同。建议大家试试，只做一个小节的节奏型。用不同的Bass旋律线条去对，或者同样的旋律不同的节奏去对，感受Groove的变化。
这里就涉及到了我经常提到的一个词“拉力”（自己编的词，也许和你的叫法不同）这个“拉力”就指在音乐中不同音色、旋律之间的关系。关系恰当的就是拉力做的好，合适。有些音乐让人听着不舒服，有可能就是音色之间拉力做的不好，互相泄力，导致听起来很乱套。返回来说，拉力做的好，就是Groove感觉好。产生拉力的原由就是音色不同，旋律不同。有不同才有拉力。
所以，在旋律这个环节和Groove相关的，不仅仅是Bass和鼓的关系了。每个音色和其他所有音色都会产生关系，也就是都会产生拉力。牛X的编曲人，会把这些拉力做的很好，同样，会把演唱的音色和旋律也考虑在里面。所以，我再强调，在觉得你的音乐很空，很无力的时候，不要一味的加东西，加了20轨以后觉得更乱。先想想现有的这些轨之间的拉力，是否已经做到最好。尝试改变他们的节奏型、旋律、音色等等，一些细小的变化都可能让你消除很空、很无力的感觉。好好想想，那些牛X音乐，不管乐器多乐器少，听起来都很Groove。就是这个原因。再次建议大家，不要一味的加轨、叠音色、加效果器、加大音量来解决空洞、无力的问题吧。
这个学问在传统教程里面叫做“对位法”但都是交响乐的。交响乐发展时间长并有很多规矩，所以为它写一个解决旋律Groove的教程是值得的。但是为现代音乐写可能不值得，写出来也会有人骂。
再介绍一个经验，在做这些旋律、音色之间的配合对位时，要先把一些基调的Groove做好。例如打击乐器和低音，或者一个吉他的节奏，或者一个旋律。无所谓是什么，但是这个基调是你认为能反应整个音乐的基调的。也就是他基本的Groove。然后再根据这个基调去发展其他的部分。这个基调可能是一个感觉上存在的，并在你制作过程中逐步提现出来的。在你添加任何部分的时候一定要考虑到它和基调Groove的配合对位，也就是拉力是不是合适。这个考虑也许是感觉上的，不经意的，但是要有这个意识。
旋律方面，不仅仅指发出声音的旋律，不发生的休止，也是旋律的一部分。也就是说，不仅要考虑每个部分发声的配合，也要考虑不发声的部分如何休止。（别晕）

三、与音色相关的环节
上面已经提到了些音色和Groove之间的关系。确实，不同的音色对于整体律动是有明显关联的。
为什么录音师和混音师都是音乐创作的重要环节？是的，他们是改变音色相关环节的人。他们会改变音乐的Groove。（以前提到过写编曲备忘录的事，最好能写一些你对音色和Groove的感想给录音师和混音师，也别忘了给他们买两盒烟）
在我们选择和调节音色的时候，同样要想到他和其他音色的关系，这也是产生拉力的一部分。
这个音色是广义的，他不仅指一个乐器的音色，他还指一种音色叠加起来的音色。这一点也是传统对位法中强调的。我们也要考虑不同音色叠加产生的复合音色的感觉，是不是够Groove。你想为音乐加一轨Keyboard，你不能只在音色库里找一个顺耳的就完了，是String类还是Piano类？要听一下他和其他乐器和人声的关系，是否够Groove。你把音色看成做菜的作料就对了。不同的菜肴，给不同人做饭，作料使用是不同的。尤其是在为一个已知歌手编曲时，你要考虑他演唱的音色，我们编曲时要考虑音色的配合（旁白：靠，这个太离谱吧）其实这些环节都是在实践中慢慢做的，而且是跟着感觉走的，没必要去可以追求什么。理论和经验永远是为实践服务的。
难道每种音色都有Groove吗？是的。下次买琴的时候，和老板说：“老板！你的这把吉他的音色不够Groove”

四、与和声相关的环节
这里可以理解的是，Groove不仅是横向的、进程中的。同时，他也是纵向的。也就是说同时发音或按一定规则呈现的几个音的配合，也是产生和影响Groove的感觉的。这就是和声相关环节和Groove的关系。
这个和声有可能是配唱和主唱、一组弦乐或者是贝斯和吉他等等。也就是说可能是一类音色的也可能是不同音色之间的。这个和以上谈到的几个环节都相关的。
我们在听Jazz的时候，和声的Groove感受可能最深。因为他们强调和声的配合。在一个Jazz乐队演奏一个九和弦和离调时，你会觉得很有Groovy.
在我们做歌的时候也需要考虑和声的选择、进行等和整体律动的关系。当然这些和声是以合适的节奏和力度，用不同乐器配合而来的。这样就和以上几个环节串起来了。（具体的和声编配这里就不多说了，坛子里有高手写的文章）
我们是否需要在关键时候选一个有特色的和声进行？这样会给听众一个刺激。
只要给出刺激的环节就是有Groove的环节。当然这些刺激是在一个整体基调上运用和出发的。时刻记得Groove是一个精神层面，整体的感觉。


好啦，先到这里，休息一下吧。

济海云帆

编曲漫谈6
中级篇之Groove实例分析

上篇写的有点深奥，所以特意补充一节实例分析课，以便大家更好的理解Groove。

我找了一首老歌，《Play That Funky Music》 - Wild Cherry
这首歌编配很简单，但是Groove的感觉很到位。

[wma]http://gnasg.dk/Mp3/Play%20That%20Funky%20Music%20-%20Wild%20Cherry.mp3[/wma]


我们简单分析一下他Groove的感觉，（这种刻意分析音乐是在学习过程中才用的，平时听歌时可不能像一个专业人员去一样，要用一个的普通心态去听歌）

整体听一下，发现他们用到的乐器只有：鼓、Bass、俩吉他、一组管乐音色、梆子。
听这样的音乐是不是会有身体随之扭动的感觉呢？

分析一下他的Groove。
直接上来就有的右耳朵的吉他，这个节奏型就是这个歌曲Groove的基调。而且贯穿始终。没有太多铺垫，很直接。这个基调在B段有所演变，但是感觉是统一的。变得很合适。

接下来进来的是鼓和Bass的配合。你会发现鼓和Bass的节奏和吉他的基调配合的很好。这三个乐器组成了这个歌的灵魂。强调每个小节的第一拍前半拍，第二拍的后半拍和第三拍的前半拍。相信你扭动起来也会跟着这个节奏型的。Bass和底鼓为这三个位置奠定基础，并且Bass在第4拍有一个特色的琶音，这个也是提味的重要元素，这个让你感觉到连贯和拉力。

再说说左耳朵的那把吉他，扫出来的节奏。他的节奏也很有意思。在整体Groove里插缝，这个吉他是很好的一个调料，他让整体的Groove活了起来。如果没有他，就显得很死板无味啦。

从音色角度上，两把吉他有很大不同，也起了不同的作用。音色和位置和混音也有很大关系，所以之前说过Groove和录混也有关系。

有一组管乐不时插进来。他和演唱配合的很好。没有抢了演唱的风头，也充分表现了自己特色。

那个梆子在B段和间奏出现，节奏很简单像节拍器。但是把它去掉了就会少很多味道。
好的编配没有多余乐器，同样，少一样也不合适。

欢迎板砖和讨论。。。。。。

a435888731

老师!真的辛苦你了,写得这样详细!尽管如此,我还是一巧不通,因为没有尝试过用电脑写歌,不知道从何下手,有点难度!

lgmusic

太受用了。做音乐是个很孤独的活儿。也是种理想。也可能只能止步于理想

garrybin

有时间争取用 Sonar 写点东西.