编曲 ABC

济海云帆

作者：N/A
出处：N/A

学电脑音乐，除了应具备电脑知识外，最重要的就是音乐知识了。初学者往往对此摸不着头脑，其实它也是有矩可循的。我们在听音乐的时候，为什么能感觉到有各种风格呢？这就是编曲的作用了。一首歌曲无非有四部分组成：主旋律、低音、和声节奏。这也就是乐队一般由四个人组成的原因。由吉他手担当旋律或和声，贝司手作低音，键盘为旋律、过门及和声，架子鼓掌握节奏。

一首音乐作品编配的好坏直接关系到音乐的表达。如果说音乐的骨架是节奏的话，那么音乐的肉体就是和声了，可见和声的作用是多么重要。

和声说白了就是和弦。目前知道的和弦有上百种，我们如何才能使用好它们，就是和声学的目的。传统和声学中常用罗马字母Ⅰ、Ⅱ、Ⅲ、Ⅳ、Ⅴ、Ⅵ、Ⅶ来表示和弦的性质，这里有它的优势，就是可以不分什么调，但看起来不大方便，因此我们不采用这种方法，我们用比较好懂的吉他和弦符号来标记，如 C、D、E、F、G、A、B。

注：在你学习以上内容时请先学习一下和弦的定义。如：C表示大三和弦，Cm表示小三和弦，C7表示七和弦等等。

我们在给一首歌配和弦时，应先分析一下歌曲的风格、调式、调性，这样我们能够掌握歌曲的总体。一般来说：如果歌曲为大调歌曲（歌曲结尾在1上为大调歌曲，在6上为小调歌曲），我们应该在歌曲的第一和最后一小节配上主和弦，如在C大调中我们配C和弦。而在歌曲的倒数第二小节陪属（七）和弦倒数第三小节陪下属和弦。但这只是一般规律，具体配什么和弦还得是组成音而定。另外，就是关于和弦密度的问题，到底一小节配多少和弦才算合适呢？一般说来，它主要取决于歌曲的速度，较快的歌曲和弦变换不要过快，这样容易引起歌曲浑浊的感觉；相反，速度较慢的歌曲应把和弦配的活跃一些，这样使别人感觉有新意。当然这也是一般性规律具体问题具体分析。

下面谈谈和弦的选择：

和弦有那么多种，如何才能从中挑出合适的和弦呢？最基本也是最重要的一点是要满足组成音的要求，只有旋律与所配和弦协和才好听。我们下面提供几条原则供大家选择：

要以强拍上的音为先，兼顾弱拍。所谓强拍是指小节中的第一拍（和第三拍，在四拍中）（和第四拍，在六拍中）。例如：1 12 3 4|此小节可配C和弦，弱拍上的音可做为经过音不与考虑。

尽量以每拍第一个音为先。如：1 12 3 34 |此小节可配C和弦。

以整小节中出现的最多的音为准。如：33 35 6 35 |此小节可配C和弦。

要考虑所选和弦的功能性。例如：2 21 21 23 |5 - - - |我们给第一小节配D（D7）和弦，第二小节配G和弦，使得D和弦强烈倾向G和弦得到满足。

注：一般说来和弦中四五度倾向最好，它使得音乐一直发展下去，其次是三六度倾向，第三位是二七度。可以得出这样的结论，尽量使用四五度关系的和弦。以下给出了四五度关系倾向表：

C- F- B- E- A- D- G- C

上面只给出了关系倾向，再实际运用中可以把它们换成相应的小和弦，七和弦，五和弦（去掉三音的三和弦），六和弦（在五音上加一个大二度音）等。但需要说明的是以上规律只代表一般，应该活学活用。

其实音乐也是一个灵感问题，有时大脑中会突然冒出一些想法。和弦编配的好坏只有在歌曲中才能体现出来，就让歌曲本身来评判吧！ 以上介绍了编配和弦的一些规律，其实和声有了，低音自然就出来了，一般说来，低音由和弦根音担当，这样可体现和弦的性质。至于节奏方面鼓和镲是经常使用的打击乐器，它们是整个音乐的骨架，也是他们体现着歌曲的节奏。

    总之，编曲是一件很难的事情，真正学好它非常不容易，这就要求我们不断的在实际中应用、创新，因为没有创新，任何事都不会发展。

济海云帆

1 往往我们刚刚学琴的时候最先想到的是技术，如何提高自己的技术成了最大的问题，现在12点等几位好朋友也发表过很多关于如何提高自己技术的文章，也例举很多好的练习，在这不多说了。
接下来，当我们有了一定的技术以后该怎么办呢，有人会想开始搞原创，
是的，这样很好，但有很多东西需要注意。
从你的技巧说起吧，你的各种技巧是否已经很到位了，比如吉他最根本的推弦，你是否真的已经做的很好了，打鼓最基本的滚揍，你如果连这些都达不到，就先不要说别的了。还有就是味道，你是否真的注意过你每个音的音色和味道是否你自己真的满意呢，需要你好好想一想。
接下来就是创作，无论是即兴还是原创都需要你有很多的积累，这就设计到了多听，可能有很多人都知道，技巧到位后多听比多练更重要，可是有时候即使你每天听一万首歌还是没有进步，你就应该去想一想了，为什么呢。
答案是用脑，学琴不是用手学的，而是用脑，有人可以用一年的时间比你用5年的时间进步快，关键就在这。
你最起码应该知道你弹的音是什么，（乐理是基础）然后你才能去分析别人弹的是什么， 你才能吸收，才能进步。
　

2 恩！我个人认为，技术是基础，而乐理是则基础的基础。


你可以用感觉做很多，但没有这些基础是什么也不行的。
你现在可能认为“我没有技术也不懂乐理一样可以玩自己喜欢的东西呀”
那是因为你已经多多少少的有了一些所谓的技术，最起码你已经知道了推弦
或者说你已经运用了合旋等东西。
但总有一天你会发现有些你感觉到了却做不到或不知道怎样去做的时候，
那就是你的基础遇到麻烦了，不够用了。

无论做任何音乐，你最起码得用乐理知道它是什么，用技巧把它表现出来吧。

　

3 我们继续谈吧！关于原创！


我想无论是原创还是即兴都是积累的结果，首先你必须具备的是一定的基础（不用说了）。
那现在需要的就是素材，你的脑袋里都有什么，你才能去用什么，平时的积累就很重要了。
多听是必须的，问题是怎么才能把听到的变成自己的，就象咖啡虫子说的，多练很有用的。

那我们所说的感觉是什么呢，我想应该是平时接触的东西的精华吧，你听多了什么自然会对什么有感觉。
这是必不可少的东西，尤其是音乐，没有感觉再好的音乐也是空的，那感觉怎么培养呢，我想也是多练吧！比如对和声的感觉，对音高的感觉（就是听音练习），对节奏的感觉（可能是你经过了漫长的对着节拍器的枯燥练习的收获）。这些都是需要多练才能得到的。

喜欢音乐的朋友门，还是多练吧，想作出好的作品不下苦工是不行的，远的不说，秦皇岛的狼烟应该是榜样了，大家都知道他们的原创在秦皇岛是最好的，其实他们也是经过了多年的积累呀，多扒一些别人的东西，多了就变成自己的了，大家说呢！
　


4 继续谈音乐吧，今天谈一谈“想”。


音乐是想出来的这句话一点没错，只要你的脑袋里有，你就有可能把它做出来，我记得刚开始学琴的时候，老师告诉我，每天练完琴以后都要给自己留出一些时间来想，丰富的想，也可以说是胡思乱想。想什么就弹什么，随便的弹，瞎弹。
这对你开阔思维有很大的好处。
多做一些即兴练习对将来的发展是很有必要的，不一定你现在弹的都好听，但只要你感去想。
弹琴要做到手和脑统一，你去想到了，然后用手弹出来。（当然前提是你了解你的琴，可以很好的控制它）那我们刚刚说过的瞎弹实际上也是一种锻炼。从你的脑子里反映到手上需要的时间会因为你不断了练习而慢慢缩短。当你可以想的出来就可以马上弹出来的时候，你就成为即兴大师了。

还有最重要的一点，练琴不要只是用手去做那些机楷的运动。要用脑子去想，去琢磨。用耳朵去听，听你自己弹出的每一个音的味道。用你所有的器官去感受，去体会。这样即使你只弹了一个音阶也会比别人弹的好听的。

（哈哈，瞎鸡吧白话，我也只是能说到做不到。呵呵
　

5 今天说说乐队的合作吧！


我们刚刚组乐队的时候往往第一件事就是扒带，
个人扒个人的，把自己的活都练下来以后大家再一起和，最终完成乐队的第一首歌。
也许这可以给每个人都带来很大的成就感和满足感，但我个人认为这样开始并不是什么理想的方法，因为乐队并不只是简单的乐器分工，还有很多的成分在里面，比如相互之间的配合就很有讲究。
每个人都必须知道自己的乐器究竟是什么，在乐队中到底起到什么作用，这很重要的。无论是谁（这里指的是乐器）在乐队中没做到自己该干的活，或是抢了别人的活，那整体的乐队效果就完全被破坏了。比如有些吉他手喜欢把自己的低音开的很重，在自己谈一些金属节奏的时候会感觉很爽，但实际上就已经影响了其他的低音，贝司，低音鼓。还有贝司，如果放弃了低音，用高音弦去做了旋律，虽然这样可以突出个人技术，但整体效果就会被完全的破坏（某些特定的场合例外）这一点经常会被人忽略。
如果你的乐队不想永远做一只拷贝乐队的话，那在一开始就经常做一些即兴合作的练习就很有必要了。比如大家先规定一个和声进行（如最简单常用的1— 6— 4— 5 和6—5—4—3等等）然后用不同的风格和节奏去即兴演奏。过程中每个人可以随时发出任意的动机，大家去迎合。经常做这样的练习不但可以锻炼个人的即兴能力，最主要的是乐队的每个成员都会对其他伙伴有一些了解，在潜意识里形成所谓的默契。这点很重要，你的队友发出了什么动机，其他都会知道他下面想干什么，如何去配合。这样你的乐队的整体感就会有很大的进步，团队精神也会从中得到体现。
总之，一首好的作品是靠所有人的合作，而不是某一个人。在实际演奏中合作默契是重要的，应该注意！~

济海云帆

首先，从字面翻译上，“轮指”可能给研习者一个错觉，就是象车轮一样滚动运指。车轮之滚动有惯性因素，而轮指技术上却不允许使用这种惯性。一些爱好者轮指质量不高与此有关，产生所谓的“马蹄声”。
关于轮指的练习方法是很多爱好者共同关心的，应该说，没有哪一种方法适合所有的人，我这里只想介绍一下我所采用的方法。


事实上，我几乎不练习轮指，但是我非常强调分解和弦的练习，当然并非所有的分解和弦练习对轮指都有效，我们应该选择一些所有的手指都参与的练习，侧重点在于a、m指的配合训练。比较好的练习曲有VILLA-LOBOS ESTUDIO NO.1 等。还有朱利亚尼的分解和弦练习，其中有一些对右手的训练非常有帮助。练习分解和弦的重要性相信所有的学生都知道，但是至于如何练才有效就不一定都清楚了。分解和弦也需要对着节拍器慢练，要慢到你的性子几乎耐不住的程度。
很多前辈都认为右手技能如果练好了，轮指是水到渠成的事，这点我非常赞同。不过我想补充一些观点，就是手指在取得良好的独立操作能力之后，也要训练在同一弦上的适应能力，特别是音色控制力和力度控制力。


要练好轮指我认为应该充分利用节拍器，而且一定要慢练，分解和弦练习亦然。
杨雪菲、王雅梦的轮指练到每分钟250拍（每拍p a m i 四音）所以她们在正常速度的轮指可以充分翱翔在音乐海洋中，没有任何技术上的负担，听者也觉得轮指线条如珍珠项链般的玲珑连贯。当然，业余爱好者不太可能都练到这种程度，但是要往这个方向努力。我工作后（十年了）很少有时间练琴，但是我觉得练到两百以上问题不大。
以上是轮指基本要求，如果这些都达到了，就要训练伴奏和旋律的层次了。前面我们已经讨论了如何练习轮指的速度和匀度，这些只是轮指的基本要求，如果一位演奏者能达到这两点要求，那么他的轮指可以说初步过关了。


下面，我们还要谈谈轮指的层次、起伏等音乐表现手段。
这两点要求和音乐表现有着直接的联系，轮指的旋律线是模仿弓弦或吹奏乐器的长音，这两类乐器的最大优点是可以在同一音上表现出渐强渐弱，而弹拨乐器和键盘乐器不具备这个能力，但是轮指在一定程度上弥补了这种先天不足。因此，我们在演奏轮指时应该要有非常明确的旋律感觉，力度要有变化。现在经常看到的问题是，有的演奏者力度一强，速度就偏快，反之偏慢，并且匀度也受到破坏。如何克服呢，关键还是要就着节拍器慢慢练习。在一种速度内练习变化力度。
除了起伏之外，轮指还有“张弛”的要求，张弛的把握和一个人的乐感有密切关系。从技术上说，应该避免“弛”的时候将轮指四个音的时值往前挤，这样会出现明显的“马蹄”声。张的时候要注意音色、力度的质量，避免“浮”的感觉。
影响轮指匀度除了手指独立操作能力，力度等因素外，还有一个容易为大家所忽视的因素，就是ami三个手指发音音色不统一，这样的轮指听起来也不均匀，建议大家在一根弦上慢速用ami拨弦，听看看音色是否统一，如果不统一，那么就要做调整，包括指甲的修剪。
速度方面，建议大家在没有惯性因素的情况下练到每拍(四音-p a m i)200以上，实际应用一般在168-190之间。

轮指除了旋律部分外，还有伴奏声部与之相呼应。伴奏声部是容易受到忽视的。伴奏声部应该要能控制其强拍，次强拍和弱拍，而不是仅仅将音符弹出便了事了。关于层次的控制力也有一系列的练习方法，这里限于篇幅并且无法写出谱例就暂不介绍。伴奏声部处理好之后还要注意和旋律声部的平衡。强调一点，一定要先有概念（乐感）才能练习，否则练习也只是机械性的。
轮指还有很多要求，比如，如何避免右手的杂音、如何根据音乐需要控制音色（同一个拨弦位置）和色彩（明暗）等十几种要求。
希望我的浅论对大家有所帮助，更希望大家一起探讨这种魅力无穷的演奏